MARINA VELÁZQUEZ: CÓMO LLEVAR TU PROYECTO DE SERIE HASTA LA FINAL DEL PITCH CLIPS

6 julio, 2020

Tras escribir en series como Sky Rojo, Estoy Vivo o Mentiras, no es de extrañar que Marina Velázquez se encuentre entre las seleccionadas de este año en los Pitch Clips del Conecta Fiction. Ha desarrollado la serie QING$_Z junto con Matías García (El Púgil, Umbra Dei) y Alejandro Lizaur (Cybersalles y Pasajeros). Marina nos abre las puertas para explicarnos cómo es escribir una serie sobre trap y cómo ha evolucionado el proyecto. IMG_20191207_165558-2

Cuando abrimos el dossier de QING$_Z, ¿qué podemos leer bajo el apartado de sinopsis?

QING$_Z es una serie que gira en torno a dos ejes: la Generación Z y la música trap. Los protagonistas son CHINA, GORDO y SAMIR, chavales de un barrio humilde de Madrid que forman el grupo de trap QING$_Z. Como muchos artistas jóvenes, la banda encuentra en la cultura trap una vía de escape a un futuro incierto. Con ella sueñan poder llevar la vida de sus ídolos: vestir de Gucci, desayunar Moët & Chandon con un canuto en la mano y revolucionar la escena cultural.

Por el camino se encuentran con Laura, una conocida y autodestructiva mánager de grupos de los 90 que ha tocado fondo y que, aunque no sepa nada de esta nueva corriente musical, tiene mucha calle, demasiada. Gracias a ella, QING$_Z consigue llegar a lo más alto de las listas, empalmando entrevistas, giras, fiestas exclusivas… Hasta posicionarse como uno de los grupos de música trap más importantes del panorama nacional.

Pero el ansiado éxito no acaba de solucionar los problemas de siempre, además de despertar muchos otros: tensiones entre los tres amigos, egos, rivalidad sobre el liderazgo del grupo… Hasta poner en riesgo lo más preciado que tienen, su amistad.

Las historias de músicos luchando por el estrellato se encuentran fuertemente codificadas. Los espectadores partimos con unas expectativas debido al bagaje cultural que tenemos. Podríamos hablar de problemas internos en el grupo, duelos con otros músicos, etc. ¿Cómo enfocaste el conflicto en la serie? Y más teniendo en cuenta que en el trap es habitual tener beefs con otros artistas.

A nivel narrativo y emocional, vimos necesario partir de una base como la amistad entre los protagonistas. Aunque la serie trate sobre la Generación Z y cultura trap, nos parecía imprescindible crear una encrucijada: su profesión como artistas y la amistad entre ellos, además de los conflictos personales de cada uno. Esto nos proporcionaba tramas más interesantes en las que los personajes tuviesen que elegir finalmente entre una cosa u otra, el éxito o la amistad, porque sobrellevar las dos terminaba por ser una tarea ardua. Luego están los duelos con otros músicos.

Como bien dices, en el trap, que bebe del rap, son habituales los beefs entre artistas (enfrentamientos verbales entre raperos para demostrar quién es mejor). Los egos y rivalidades, que en las profesiones artísticas suelen ser más frecuentes, ayudan de alguna forma a que los personajes luchen con más ahínco por sus objetivos, dan carácter y fuerza a sus motivaciones. Pensamos en artistas reales que hicieran este papel de antagonistas, que despertaran rivalidad. Pimp Flaco, por ejemplo. Nos funciona pensar en alguien real para que el espectador se sienta lo más cercano posible a la historia, que se vea reflejado. T

ambién, el conflicto entre el artista y la industria musical es fundamental en una serie como esta. Existen muchos cantantes que critican estos contratos con multinacionales por engordar el sistema capitalista en el que vivimos (defienden el espíritu DIY “hazlo tú mismo”, que creció lejos de los grandes sellos discográficos y los medios periodísticos). Otros los defienden: es imposible luchar contra alguien más grande que tú, sobre todo si pretendes llegar lejos en la música. Vimos que había un debate interesante, así que lo incorporamos también en las tramas.

La industria se convierte en cierta forma en antagonista para nuestros protas: os llevamos al éxito, pero bajo unas condiciones. Y estas condiciones repercuten inevitablemente en la amistad entre los personajes, en sus valores morales. De nuevo, les sometemos a una encrucijada.

Por último, reflejamos además conflictos de la vida real que nos parecen muy importantes ya no sólo a nivel dramático, sino por su carácter social, actual y urgente: la identidad de género, el machismo, el feminismo, las relaciones amorosas, el capitalismo, las nuevas tecnologías…

Son temas que están hoy día entre nosotros y que gracias a la ficción, los autores tenemos la oportunidad de mostrarlos de forma más cercana, que la gente sepa lo que preocupa ahora, lo importante que es darle la bienvenida a lo nuevo. Creemos que todavía existe mucho tabú en la ficción española en relación con estos temas más conflictivos, por llamarlos de alguna manera.

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¿Cuáles crees que son los puntos fuertes del proyecto?

Nos han preguntado esto varias veces, qué es lo que diferencia QING$_Z del resto de series juveniles. Siempre respondemos que la música. Sabemos que se están cocinando proyectos parecidos sobre chavales y trap en equipos internos de desarrollo, que todo el mundo ha visto el pase de gol y quiere hacer su propia serie sobre trap.

Pues bien, QING$_Z es diferente porque la música es protagonista, porque contamos además con el apoyo de artistas reconocidos.  Si hablamos de la Generación Z es inevitable hacerle un hueco a la cultura trap (la forma de vestir, de relacionarse, de labrarse un futuro, ganar dinero…). Y si hablamos de la cultura trap, no podemos no poner el foco en la música que la define. Queremos que en QING$_Z se hable sobre música (de la de ahora y de la de antes), y que el espectador se sienta reflejado en esa conversación. Yung Beef, La Zowi, Cecilio G, Bad Gyal, Somadamantina, Mueveloreina.

En QING$_Z son importantísimos los cameos de artistas. Nuestros propios personajes tienen que reaccionar al ver a sus ídolos, incluso que éstos tengan un peso dentro de las tramas. Creemos que esto acerca la serie a la realidad, además de potenciar el vínculo entre espectador y personajes. Además, el hecho de poder contar con Sara Socas como protagonista (en el papel de “China”), hace que la serie adquiera mayor peso. Es genial que le haya gustado el proyecto. Es una jefa.

Otro punto importante es el estilo sucio y naturalista. Para nosotros era muy importante que la serie tuviera verdad, que reflejara la vida real de estos jóvenes. Queremos tratar ciertos temas sin tapujos, como se puede ver por ejemplo en la serie de “Euphoria”. Y queremos que este aspecto transcienda también a lo visual, con un estilo directo de cámara en mano.

Nuestra motivación es atraer a la gente joven a la pantalla, que se vean reflejados, que sepan que nos interesa lo que dicen, que estamos con ellos, que nos parece necesaria la ruptura cultual que su generación abandera. Si no, estaríamos haciendo una serie juvenil más. Y no queremos eso.

¿Cuál ha sido el mayor desafío a la hora de plantear la serie?

Claramente el ritmo. Hablamos del éxito, hubo mucho debate sobre cuándo se hacían famosos los protagonistas, en qué capítulo. QING$_Z es una serie pensada para 8 capítulos de 40 minutos cada uno (aunque estamos abiertos a cualquier cambio, siempre a favor del producto final). Nos preguntábamos: ¿Cuándo firman con una multinacional? ¿Cuándo dan ese concierto que les lance al estrellato? ¿Y la fiesta vip en limusina? ¿Cuándo se dan cuenta de que no están donde realmente querían estar?

Como guionistas de televisión, a la hora de desarrollar el mapa de tramas es muy importante no sólo pensar en la propia narración y los personajes, sino en el espectador. Qué quiere, cuándo lo quiere y cómo lo quiere ver. Nuestro público es joven y los jóvenes viven a 200 por hora. Pues nuestra serie tiene que ir a 300. 

La serie la escribís Matías García, Alejandro Lizaur y tú. ¿Cómo habéis distribuido el proceso de escritura? ¿Alguno se ha especializado más en un área en concreto o las aportaciones han sido similares?

La serie nace a principios de 2018. Como guionista me gusta más crear desde el personaje que desde la trama, por eso las historias de gente joven me resultan más atractivas. Tienen conflictos psicológicos que me interesan mucho. Además, desde que empecé a profundizar en el fenómeno del trap, siento como una necesidad de plasmar esta ruptura cultural en mis obras.

Como he dicho antes, la música trap engloba una forma de sentir, de vivir, no sólo es un estilo musical que ha vuelto locos a los chavales (que también). A mí me interesa saber por qué les ha vuelto locos. Antes se decía del punk que eran cuatro acordes mal tocados (The Stooges, sin ir más lejos), lo mismo pasa ahora con el trap. Temas como el éxito, el fracaso, el abismo generacional y el feminismo impregnan esta nueva ola que debería ser de estudio para todo el mundo. 

Esbocé una primera sinopsis sobre lo que podía ser QING$_Z y se lo presenté a Alex y a Matías. Les gustó y decidimos empezar a construir a fondo los personajes, las tramas y el mundo que habitaban. Todos íbamos a una: yo escribía una primera versión del personaje de China, Matías y Alex la mejoraban, y viceversa. Lo mismo con una trama determinada, la memoria de intenciones, el tratamiento…

Nos hemos reunido mucho, hemos hablado mucho sobre trap (seguimos haciéndolo), nos hemos enseñado videoclips y escuchado canciones. Así durante casi dos años, por amor al arte.  Respecto al guión piloto, como ya habíamos definido el tono y ritmo que queríamos, nos dividimos por partes la escritura. Luego lo leímos juntos varias veces y reescribimos para darle más unidad. La verdad es que somos un equipazo, además de buenos amigos.

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¿Has tomado alguna decisión complicada que a día de hoy no tengas del todo claro si fue lo correcto? ¿Por qué?

La primera decisión más complicada fue pensar en quiénes eran los protagonistas, los que conformaban la banda de QING$_Z: chicos o chicas. En un primer momento (mal por nuestra parte), pensamos que si eran tres tíos la serie se acercaba más a la realidad, vendería más (ejemplos de grupos masculinos como PXXR GVNG, $UICIDEBOY$, Migos, Los Santos, etc…). Hay muchos.

En cambio, bandas de trap formadas exclusivamente por tías hay poquísimas. Suelen ser más artistas en solitario.  Presentamos la serie con el nombre de KING$_Z, tres amigos de barrio. Pero poco a poco nos dimos cuenta de que echábamos de menos una figura femenina en la banda, que precisamente porque hay pocos grupos de música encabezadas por mujeres, era un punto a favor para tirar por esta vía.

Tenemos el personaje de Laura, la mánager de grupos de los 90 que amamos profundamente (pensamos en Nathalie Poza), pero sentíamos que la banda necesitaba algo rompedor. Así que cambiamos a Chino por China y reestructuramos la serie en base a este cambio, cómo sería la historia protagonizada ahora por una mujer. También, la rivalidad entre los integrantes nos aportaba más matices, conflictos más interesantes (no es lo mismo la rivalidad entre dos chicos, que entre una chica y un chico).

Otro cambio importante respecto a esta reestructuración narrativa fue convertir al tercer integrante de la banda en un chico que da los primeros pasos en su transición a chica transgénero. Creemos que es un conflicto que no se ha tratado como se merece y que es igual de importante o más que otros. La segunda decisión fue el tono. ¿Comedia, drama…? Queríamos un The Entourage pero también un Euphoria. Diálogos frescos y divertidos, pero también con mensaje, críticos, con un peso dramático. Realmente fue lo más difícil, estuvimos muchos meses hablando sobre qué era mejor, cómo veía cada uno la serie, el tono.

Llegamos a un punto intermedio: en Bojack Horseman, por ejemplo, tratan temas como las adicciones, crisis existenciales y el (no) éxito desde la comedia, pero siempre con un poso dramático que te deja por los suelos (personalmente la última temporada me pareció tremendamente trágica). Pues en QING$_Z queríamos algo así: maquillar de alguna forma el drama de estos tres amigos de barrio, con un estilo fresco, descarado y divertido.

¿Cómo has estructurado el dossier de QING$_Z? Por si fuera posible que nos hicieras un índice de contenidos.

Portada, logline, ficha técnica, sinopsis corta, sinopsis larga, personajes, localizaciones, estilo, intenciones y una pequeña bio de cada uno de nosotros tres. Y muchas fotos. El dossier es súper visual, hay fotos en cada una de las páginas. Tenía que ser así. 18 páginas con fotos llenas de color y rollazo.

Contáis con el interés de Sara Socas para protagonizar la serie. ¿Cómo ha afectado al desarrollo de la serie? Tanto en la escritura del personaje, el enfoque musical de la serie y si ha cambiado algo a la hora de mover el proyecto en productoras.

Cuando nos dimos cuenta de que la prota, la cabeza de la banda, tenía que ser chica, pensamos desde el primer momento en Sara Socas. El personaje de China (prácticamente igual que el original, Chino), lo construimos desde alguien con motivaciones, capaz de adaptarse a diferentes situaciones y registros, alguien inteligente. Sara no sólo es una artistaza a nivel mundial, sino que la implicación en sus letras contra el machismo y el racismo, por ejemplo, nos pareció fundamental para darle esa fuerza que queríamos a la protagonista de QING$_Z. También su mirada, su forma de hablar, su capacidad para tratar cualquier tema… Somos conscientes del enorme privilegio que es tener a Sara como prota, por eso la versión final del proyecto prácticamente gira en torno a ella.

Si mañana empezaras una nueva serie, ¿plantearías algo de otra manera?

Mi carrera como guionista todavía es corta. He trabajado en varias series, pero apenas llevo cinco años en la industria. Tengo muchas ideas, proyectos personales… El año que viene ruedo mi ópera prima como directora, el cortometraje “Jerusalén”, producido por Tourmalet Films. Estoy desarrollando también el guión de la peli, de la cual el corto es como un prólogo.

Si pudiese crear otra serie para televisión, lo que tengo claro es que no escribiría un piloto gratis como hemos hecho con QING$_Z. Todas las productoras a las que les presentas el dossier de venta te preguntan si tienes un guión piloto. Claro que puedo tener el guión piloto, y la serie entera, pero si te interesa, págame. Es un curro de muchas horas, así que no vamos a hacerlo gratis. Esto es lo que plantearé y defenderé el día de mañana.

¡Muchas gracias por la entrevista y mucha suerte en el Conecta Fiction!

Entrevista de Sergi Jiménez.


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LAS DEL HOCKEY: DE LA UNIVERSIDAD AL PRIME TIME

23 abril, 2020

Entrevista por Sergi Jiménez.

Las del hockey empezó como un proyecto de final de carrera y actualmente cuenta con dos temporadas emitidas en el prime time de TV3 y está disponible en Netflix. Entrevistamos a sus creadoras Laura Azemar, Marta Vivet, Natàlia Boadas y Ona Anglada para que nos cuenten los entresijos de llevar un TFG a las pantallas de todo el mundo. 

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¿Cuál es el proceso de venta de la serie después de ser entregada como TFG?

Laura: Lo que teníamos que entregar como TFG era el guión de un piloto y la biblia de la primera temporada. Como no quisimos que simplemente se quedara ahí, aquel verano rodamos un episodio piloto. Nos seleccionaron en el Clúster Audiovisual, donde varias productoras y TV3 se interesaron por el proyecto aunque nosotras solas no podríamos hacerlo. Nos aliamos con Brutal Media y a partir de ahí empezamos a trabajar sobre lo que le interesa a TV3, ya que nos piden ampliar el universo de la serie más allá de las protagonistas. Que también hubiera adultos y otros chicos. Eso a lo largo de un año y medio hasta que TV3 da el okay y nos ponemos con la serie.

Natàlia: Durante el desarrollo entraron Marta Grau y Cristina Clemente.

Marta: Lo que había empezado siendo una serie de 10 episodios de 40 minutos acaba siendo una de 13 episodios de 50 minutos. 

¿Entonces se trata más de una expansión que no de una de una reformulación?

Ona: Exacto.

¿Qué elementos tuvieron un gran impacto a la hora de pasar de la ideación a la escritura?

Ona: El hockey (risas). A parte de que es complicado de rodar, tienes la dificultad de que las actrices sepan jugar. La serie tiene varias dobles para las escenas en las que juegan. Son chicas que vienen del equipo de Manlleu.

Natàlia: Lo que es muy chulo es que las chicas aportan mucho de su propia experiencia tanto en el piloto como en la serie. Siempre nos decían que se notaba que lo escrito era muy real ya que a nosotras nos quedaba muy cercana la adolescencia.

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De izquierda a derecha: Ona Anglada, Marta Vivet, Natàlia Boadas y Laura Azemar.

¿Por qué el hockey?

Marta: Yo soy de Manlleu y allí se juega mucho. Yo nunca lo he jugado pero es algo que allí se vive mucho. Lo que teníamos claro a la hora de crear la serie es que queríamos un grupo de chicas. Nos pareció que hacerlas de un deporte funcionaba ya que les daba un objetivo deportivo. Permitía meter personajes muy distintos luchando por un objetivo común. Buscábamos un deporte distinto que no se hubiera visto tanto y además con la potencia que tiene el hockey.

Natàlia: Había parte reivindicación femenina y feminista en el que queríamos hablar de la adolescencia. Nos parecía que el hockey está menospreciado y los equipos femeninos de hockey aún más. Teniendo aquí equipos muy importantes a nivel mundial y con poco reconocimiento local. 

Ona: Para el resto entender el deporte fue complicado, porque va todo muy rápido hasta el punto de que a veces no ves las jugadas.

Laura: Tuvimos la suerte de que todos los equipos que conocimos se volcaron muchísimo en el proyecto. Nos dejaban la equipación, nos contaban dramas de vestuario etc. La serie ha tenido un coach que es Arnau Casanovas. Se ha implicado muchísimo, ha sido la clave para que funcionara la serie a nivel deportivo.

¿Desde que escribís el piloto para la universidad a que se emita la serie en TV3, cual ha sido el aprendizaje más valioso? 

Ona: Todo. Como guionistas lo único que habíamos escrito era esta serie. Todo lo que sabemos a día de hoy es por Las del hockey. También nos ha servido para vivir como funciona el audiovisual. Como acercarte a una televisión… Lo más importante diría que es tener mucha paciencia. Todo los procesos son muy largos. Igual te pasas dos años parada y luego en tres meses lo tienes que hacer todo. Tranquilidad, porque en cualquier momento puede estallar y has de trabajar sin parar.

Laura: Y aprender a escribir a unas velocidades… Nosotras antes teníamos fechas de entrega de un año. Luego te encuentras que has de escribirlo para rodarlo ya. Esta velocidad se nos ha quedado dentro. Que ojalá poder escribir con más tiempo, pero eso que nos llevamos.

Natàlia: La presión de escribir por primera vez para una serie de prime time. En ese sentido siempre quisimos que hubiera más gente a parte de nosotras, en este caso Marta Grau y Núria Parera. Cuando te paras a pensar que escribes para prime time y luego Netflix, buf.

Ona: Durante la primera temporada fuimos mucho a rodaje y era espectacular que lo que habíamos escrito estaba pasando. Había camiones de producción, de arte…

Marta: ¿Tanto lío por nosotras? (Risas).

Natàlia: Ver todo lo que aporta cada persona al proceso es muy enriquecedor. Hay que saber valorarlo. No tiene sentido quedarte con tu idea original. Si el equipo quiere el proyecto todo el mundo se dejará la piel para que salga bien. 

Marta: Cómo crece y es mejor de lo que podrías imaginar.

Ona: Cuando escribimos la primera temporada, no le acabas de poner cara a las actrices y no sabes cómo sería el universo en la realidad. Al escribir la segunda temporada de repente todo tiene mucha más vida. Los personajes no los escribimos en un vacío abstracto. Ya se sabe qué le da cada actriz al personaje. Escribes pensando en esa aportación y es chulo ver esa diferencia, es más real.

Laura: Al poder ir al rodaje y ver cómo trabajan las personas que dirigen, ves en qué elementos del guión se fijan. En lo que se fijan las actrices. A la hora de escribirlo lo tienes más en cuenta. Entender de dónde viene cada cosa te ayuda a sumar.

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Con lo aprendido. ¿Cómo os enfrentaríais a la creación de otra serie?

Natàlia: Definitivamente menos personajes y tramas más cortas. Estábamos haciendo tramas para episodios de 50 minutos, 29 personajes y 13 episodios por temporada. Al final es enorme. Tienen que pasar muchísimas cosas. Va bien porque tienes tres o cuatro tramas por episodio para trabajar pero ahora preferiríamos hacer cosas más pequeñas.

A la hora de escribir la segunda temporada, ¿qué enfoque habéis tenido?

Laura: En la primera había mucha trama episódica porque si no podrías perderte, focalizamos una chica por episodio. En la segunda temporada como todo está más que presentado había las posibilidad de plantear tramas más transversales.  

Ona: Al principio de cada episodio de la segunda temporada hay flashforwards con el momento más álgido del episodio y luego descubrimos cómo hemos llegado allí. Al ser una cosa más horizontal está bien porque el espectador puede seguir todo mejor. A mí me gustaba lo de centrarnos en un personaje porque te daba un orden mental en el sentido de que no te vas a dejar a ninguna de las protagonistas, todas van a tener su momento. Cuando todo es más horizontal a veces da miedo olvidarse de alguna de ellas, porque hay tramas que pesan más que otras. 

Entiendo que en una serie tan coral sobre un equipo hay que encontrar el equilibrio entre escenas donde aparezcan todas y otras en las que sean conversaciones privadas.

Laura: Nos ha pasado. Es que si metes a todo el equipo es difícil que todas aporten. Entonces ¿tiene sentido que esté todo el mundo?

Ona: Salvo que no sea un momento de equipo en el que necesitas a todas es complicado. 

Natàlia: Hay que tener cuidado porque también son muy potentes las escenas en las que están todas. Es un poco encontrar el equilibrio.

Marta: También como espectador te gusta ver a todas las protagonistas allí interactuando. Porque si al final solo tienes conversaciones entre dos… Cuando están todas crece muchísimo, tiene una vitalidad increíble. Pero si, a veces estás acabando una escena y te das cuenta de que allí también tienes otro personaje y has de reescribirla con un par de réplicas. Encontrar el equilibrio es difícil.

Ona: Por eso nos apetece algo más pequeñito.

Teniendo en cuenta que con menos de 25 años habéis estrenado una serie de prime time en TV3, que se está viendo internacionalmente en Netflix. ¿cómo pinta vuestro futuro, qué estáis escribiendo?

Ona: Estamos preparando cosas. Nos gusta trabajar las cuatro juntas porque tenemos una visión en común.

Marta: Ahora estamos intentando sacar varios proyectos desde cero. Hemos vuelvo a empezar porque llevamos todo este tiempo escribiendo la serie y ahora nos encontramos de nuevo con la fase de ideación. 

Sin hockey esta vez.

Natàlia: No, no, no.

Marta: Productores, directores: no habrá hockey y será muy barata de producir. (Risas)

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Las del hockey se encuentra disponible en TV3 a la carta y Netflix.


ADRIÀ ESPÍ: MUERTE EN VIDA

20 abril, 2020

Llàtzer es un ninini: ni estudia, ni trabaja, ni folla. Su familia está harta de él, hasta el punto en que su padre un día lo asfixia con nata. Lo que no se esperan es que resucite al día siguiente. Con esta premisa arranca El Mort Viu (El Muerto Vivo), serie creada por Adrià Espí, Lluís Ferrer, Joan Losada, Martí Pavia y Jordi Porcel. Tras rodar el episodio piloto (con dinero de crowdfunding) como parte de su trabajo de fin de carrera, ganar un premio Ondas en 2015 y entrar en el programa de financiación Tube d’assaig de la cadena Betevé todo parecía hecho. Hasta que se detuvo su producción. A lo largo de cuatro largos años han estado batallando para resucitar la serie hasta finalmente realizarla. Entrevistamos a Adrià Espí, showrunner de El Mort Viu.

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Una cosa que llama mucho del piloto, el detonante del piloto, la resurrección está al final.

Creo que fue algo que salió con naturalidad cuando empezamos a plantear la serie. Luego lo discutimos mucho pero siempre acabó quedándose esa opción. Planteamos acabar el episodio matándole pero aún se alargaba más el arranque de la serie. Nos parecía más interesante acabar el episodio con el tipo que acaba de resucitar, vuelve a casa y parece que no recuerda muy bien lo que le ha sucedido. Generar misterio desde la comedia. Esta fue la opción del piloto rodado del Verkami y nos gustó para mantenerla en la serie en sí. 

Me recordó a la serie de The Mandalorian en la que no se descubre el quid de la cuestión hasta el final. Quédate hasta el segundo episodio que es de lo que va. Cosa que por ejemplo en Perdidos es algo que se encuentra desde el segundo uno.

Claro, porque en Perdidos lo enfocan más desde la acción y el suspense. Nuestra serie apuesta más por un universo y un tono peculiar. Nuestra apuesta era conocer esta familia disfuncional y al final del episodio dar el giro sobre lo que va la serie. También como teníamos el gancho de que lo matamos a mitad del episodio, con lo cual no es que lo dejemos todo para el final.

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En el piloto del Verkami a la final hay un par de añadidos, la escena de la discoteca. No he visto muchísimos cambios. No es otra serie o otro piloto. En el paso de estos años hasta que os han dado luz verde, ¿ha cambiado la estructura que teníais pensada para la serie en sí?

Los cambios en el piloto son pequeños, sí. En la versión Verkami hay una trama sobre drogas llevada por el hermano del protagonista. A la hora de hacer la serie veíamos que no conseguíamos levantarla hasta el punto que nos gustara, ya que no pegaba mucho con el personaje. La trama pasó a ser del protagonista y a su hermano le dimos la trama de que encuentra trabajo en un cementerio, lo cual era irónico y nos gustaba. Cuando empezamos teníamos muy claro un universo de la época de la crisis, de las obras a medias y la corrupción. Poco a poco fue mutando a temas más cercanos a la religión y la fe, desde lo carnavalesco. Digamos que tiró más hacia lo fantástico.

Dentro del inconveniente que es hacer el piloto, ganar el Ondas, preparar la serie y que se quede en un cajón durante todo este tiempo, ¿en que creéis que os puede haber beneficiado?

Que pase tanto tiempo te hace madurar la serie, pensar las cosas mucho. Lo malo es que desgasta muchísimo. Hay momentos en los que te quedas sin energías y crees que jamás se hará tu serie. Si hubiera sido más rápido tal vez hubiéramos tenido otra cosa hecha ahora pero no hubiera quedado tan bien para mi gusto. Los años le han dado maduración. 

¿Si tuvierais que empezar una serie de nuevo que aplicaríais de lo aprendido?

Esto es una pregunta muy difícil (risas). Realmente cada serie es un mundo. Intentaría aplicar todo lo que he aprendido en el piloto, ya que es muy complicado presentar los personajes y las tramas de manera interesante. Intentaría no caer en algunas convenciones que hemos tenido desde el primer capítulo, que ya estaban hace tiempo y las hemos repetido. Esto que es: escena de presentación y luego escena de presentación y una persona hablando con otra y otra persona hablando con otra. Pondría más conflicto para explicar los personajes. Que no sean tan dialogadas y descriptivas.

¿Has dirigido tú todos los episodios?

Sí.

Ha habido algún momento en set en el que has pensado: ¿por qué hemos escrito esto, no había una manera más sencilla?

Sí pero por falta de medios. El Mort Viu es una serie muy low cost. Una cosa que pasó es que el proyecto se paró un tiempo cuando teníamos los guiones muy avanzados. Cuando volvimos había muchas cosas que me gustaban y esto es algo que rara vez pasa. El releer algo y pensar que está bien. Sí que fue complicado en el rodaje pero más bien por la falta de medios. Sobre todo muchas escenas con extras. 

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Dos de las marcas de identidad de El Mort Viu son lo costumbrista y lo fantástico. ¿Cómo lo equilibrasteis para que quedara natural?

Creo que la clave es trabajar el costumbrismo y lo fantástico desde el naturalismo y la comedia. Hay fantástico, sí, muchas locuras que en otras series serían tratadas más exageradas, más dramáticas… Pero preferimos tratarlo con naturalismo y con risas. Además lo fantástico y lo costumbrista está revisitado desde la comedia. Creo que la balanza ha venido al pasarle el doble filtro, lo naturalista y lo cómico.

En la serie varios personajes secundarios tienen sus propias tramas, algunas más influidas por la presencia del protagonista y otras más independientes. ¿Qué criterio o proceso tuvisteis de cara a ver hacia dónde desarrollabais estas tramas secundarias?

Un puzle total. Ir viendo donde encaja mejor esta trama, ir viendo cuál se agranda, cuál se empequeñece… Lo que estaba claro es que nos gustaban los secundarios del Mosén y de Núria, tenían más capas, y queríamos darles bastante protagonismo. Pero no hay ningún criterio, es todo un proceso de hacer y deshacer.

Y sí que nos gustaba la idea de que aunque la trama de X personaje no estuviera del todo relacionada con Llàtzer, lo que hace el Llàtzer siempre terminara afectando a todos los personajes. Para bien o para mal.

¿Qué recomendarías a la gente que está empezando a escribir o desarrollar un proyecto?

Voy a responder un típico y clásico: perseverar. No desesperar e insistir sin volverte loco por el camino. No darte por vencido y si sale mal a la próxima saldrá bien. Nosotros hemos hecho El Mort Viu y no creo que seamos ejemplo de nada, la verdad. Ha sido un proceso larguísimo y caótico. Lo hemos tirado adelante porque creíamos en el proyecto y hemos sido muy pesados.

Es cuestión de morir y resucitar en el intento.

Totalmente. A la serie le ha pasado lo mismo que al protagonista, que ha muerto y resucitado no se cuántas veces pero por fin se ha hecho y se puede ver.

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El Mort Viu, escrita por Adrià Espí, Hector Mas, Jordi Porcel y Marc Tinent, está disponible en la web de Betevé y en Filmin

Entrevista de Sergi Jiménez.