ESCENARIO 0: EL TEATRO VUELVE A NACER EN HBO

20 octubre, 2020

Marzo de 2020. España se paraliza en un confinamiento estricto. Cines y teatros cierran indefinidamente. Mientras gran parte de la profesión teme por su futuro, dos actrices deciden reinventarlo en forma de serie televisiva: cada capítulo será la adaptación de una texto teatral contemporáneo.

HBO acepta la apuesta y la producción se lleva a cabo en un tiempo récord. Su título, Escenario 0, recuerda al mítico Estudio 1 de Televisión Española. Hablamos con Irene Escolar, quien junto con Bárbara Lennie, estuvo detrás del proyecto… y delante de las cámaras.

Irene Escolar y Bárbara Lennie en ‘Hermanas’, de Pascal Rambert.

¿Cómo surge la idea de grabar una serie para HBO cuyos capítulos son obras de teatro?

La idea nació en ese momento de desconcierto y miedo que fue el confinamiento. Bárbara y yo íbamos a trabajar en una obra de Pablo Remón a partir de abril, pero esta se suspendió. Los proyectos de otros compañeros iban cayendo, uno a uno. En este contexto de incertidumbre Bárbara y yo hablamos mucho por móvil y acabamos rescatando una idea que hacía tiempo que nos rondaba: grabar Hermanas. Pero después de muchas conversaciones esta idea inicial se fue transformando en la posibilidad de rodar varias piezas españolas contemporáneas. En un principio iban a ser diez, después fueron seis por temas de producción.

Para Escenario 0 habéis apostado por el teatro contemporáneo que se ha hecho en España en los últimos 5 años, pero más allá de eso, ¿qué os llevó a escoger las obras que aparecen?

En primer lugar, nos interesaba que fuera dramaturgia contemporánea -incluyendo Vania, que es una adaptación libre de Chéjov-, para dar a conocer el trabajo de los dramaturgos que hay en este país, y en Francia en el caso de Pascal. Una premisa importante para Bárbara y para mí era abrir el camino a todo un grupo de dramaturgos y guionistas que escriben muy bien, pero que son desconocidos -muchos de ellos- en el mundo de la televisión.

Por otra parte, también pensamos en mostrar en pantalla un tipo de textos a los que no estamos habituados normalmente. Textos que apuesten por una radicalidad en el lenguaje, como es el caso de Hermanas; o que permitan un juego entre teatro y cine, como en el caso de Los Mariachis.

‘Los Mariachis’, de Pablo Remón.

Sobre Escenario 0 has llegado a decir que si hubierais ido un poco más allá con la propuesta, quizás no hubiera funcionado. ¿A qué te refieres cuando dices esto?

Básicamente al formato. En muchas piezas hemos llevado los códigos de formato al límite, rompiendo la cuarta pared e incluso mostrando en pantalla al propio equipo de rodaje. Poder enseñar el truco es un código que en el cine y la televisión española es poco habitual, porque es muy arriesgado. Pero en nuestro caso, coger lo mejor del cine y del teatro nos ha dado la oportunidad, y creemos que también al público, de probar nuevas experiencias frente a la pantalla.

Una anécdota: mi hermana de 18 años, que siempre había pensado que el teatro era aburrido, vio Mammón el otro día y flipó. Le encantó.

Qué guay (ríe). Pues ese es uno de los objetivos, porque muchas veces relacionamos el teatro con algo que no es lo que realmente se hace sobre un escenario. Y más la gente joven, a la que igual no les despierta tanta curiosidad porque no les ha llegado bien la idea, porque no se la han sabido comunicar bien.

Respecto al texto teatral original, ¿cuáles son las piezas que más se han adaptado al lenguaje cinematográfico?

En el caso de Los Mariachis, por ejemplo, Pablo [Remón] ya tenía en la cabeza desarrollar un guion para rodar esta pieza. Él viene de lo audiovisual y piensa mucho en imágenes, por lo que ya había hecho una adaptación cinematográfica, sutil, con pequeños cambios, pero con peso en la historia.

En el caso de Mammón, está totalmente transformada respecto a la obra original. Utilizamos imágenes de archivo, voz en off, y una serie de elementos que nos permitieron adaptar el texto a este nuevo lenguaje. No nos interesaba rodar la obra de teatro como tal, sino jugar con la imaginación y el lenguaje para ver hasta dónde podíamos llegar.

¿En qué momento HBO se implicó en la producción y cómo le vendisteis la idea?

Una vez terminamos de escoger las piezas para rodar contactamos con HBO España. Nos resultó sorprendente que Miguel Salvat y su equipo entendieran nuestra propuesta desde el minuto uno. Pero no solo eso, sino que la defendieron en Europa y en EEUU hasta tal punto que, teniendo en cuenta lo difícil que es que esta plataforma apruebe un proyecto, consiguieron que fuera aprobado en tan solo un mes.

La velocidad con la que llevasteis a cabo este proyecto, en apenas tres meses, da una sensación de condensación extrema de ensayos, pruebas, scouting, rodaje y edición. ¿Cómo lograsteis abarcar tanto en tan poco? Cuéntame un poco cómo fue este proceso.

Yo pienso que las limitaciones que hemos tenido nos han ayudado a abarcar todo. Desarrollamos la idea en un mes, y cuando terminó el confinamiento y se podía rodar ya estábamos rodando. Los rodajes eran de tres días, pero justamente que fueran tres días y diez de preparación nos marcaba el tono del trabajo.

Luego, también contábamos con muy buenas condiciones técnicas para rodar. Un equipo humano extraordinario, a nivel técnico y creativo, habituado a hacer producciones grandes.

‘Mammón’, de Nao Albet y Marcel Borràs.

Trabajamos con lo que teníamos. Mientras ensayábamos una pieza, estábamos rodando otra, y una tercera estaba en edición. De hecho, hubo un momento en que estábamos con las seis piezas abiertas. La calidad logística y de producción ha sido increíble, pero uno puede preguntarse: ¿Si hubiéramos tenido cinco días el resultado habría sido mejor? Pues seguramente, pero insisto en que lo interesante es ver qué hemos sido capaces de hacer con lo que teníamos.

¿Qué papel jugó HBO durante el proceso y hasta qué punto intervino en las decisiones creativas?

Nos dieron máxima libertad. Absoluta. Todo les parecía bien, no nos pusieron ningún impedimento, sino todo lo contrario. Que una plataforma te lo ponga así de fácil y apueste por un producto tan arriesgado es una situación realmente extraña, sobre todo en España. Pero ellos nos apoyaron y confiaron en nosotros desde el principio hasta el final, incluso en los momentos más complicados, que también los hubo.

Cuéntame alguno de estos momentos complicados.

Vania fue grabado íntegramente en un bosque, en el Hayedo de Tejera Negra concretamente. Teniendo en cuenta que solo teníamos tres días para rodar, uno de ellos solo grabamos tres planos porque nos cayó una tormenta tremenda y tuvimos que parar. Era pleno verano y nadie predijo que pudiera caer la tormenta que cayó (ríe). Pero gracias al equipo y al apoyo de HBO, como decía antes, conseguimos finalmente sacarlo adelante.

Algunos de los autores dirigen sus propias versiones, pero ¿qué os llevó a seleccionar a directores como Lino Escalera o Carla Simón?

Cada una de las piezas tuvo una grabación diferente. Lino Escalera y Pablo Remón ya habían colaborado juntos en el pasado, por lo que entendimos que podía ser un bonito tándem en esta ocasión, y a ellos les pareció bien.

En el caso de Carla Simón, ella había venido a ver Vania, y había algo en el imaginario y la poética de la obra que creímos que Carla podía acometer, y ella también lo vio así. Esta ha sido la parte creativa más bonita desde mi punto de vista: ir juntando sinergias entre creadores que creímos que podían funcionar para cada pieza.

¿Qué acogida ha tenido la serie?

La está viendo muchísima gente, más de la que yo me podía imaginar. El boca a boca, por ejemplo, está funcionando muy bien. Y esto me alegra muchísimo, porque en un principio nos parecía destinada a un grupo reducido de gente, y que no lo iba a petar, por así decirlo. Pero esto pasa por utilizar unos baremos erróneos. Da gusto que una compañía privada como HBO, que no tiene ninguna intención pública de apoyar la cultura, lo haya hecho porque sí. Porque han creído en ello.

‘Juicio a una zorra’, de Miguel del Arco.

Si fuera posible hacer la segunda temporada de Escenario 0, ¿qué tendríais en cuenta de cara a seleccionar nuevas obras?

De las diez obras que presentamos, cuatro se quedaron en el tintero. A mí me gustaría que estuvieran en el caso de una segunda oportunidad. También le hemos dado vueltas a la opción de grabar danza contemporánea. Y también apostaríamos por ideas más radicales y arriesgadas en cuanto a formato, porque también entendemos que la primera vez no podía ser tanto -que ya fue mucho-.

¿Gracias a Escenario 0 ha surgido alguna nueva idea de cara a realizar en un futuro con alguno de los que han estado implicados en el proyecto?

Cuando se unen sinergias hermosas en un proyecto, si hay algo que luego te apetece cuando este acaba, es seguir colaborando con las personas que lo han formado. Desde luego a Bárbara y a mí nos apetece mucho seguir trabajando juntas. En una entrevista que hicieron hace poco a Isabelle Huppert, ella decía “a mí ya no me importa el qué, sino con quién”, y la verdad es que, aunque yo no tenga tanta experiencia como ella, estoy muy de acuerdo con sus palabras.


Entrevista de Miguel Álvarez Guerrero, analista y miembro del comité de selección de guiones de Filmarket Hub. Máster de Guion UC3M/ALMA.


HERMANAS: EL REGRESO DE PASCAL RAMBERT

14 enero, 2019

¿Qué es el lenguaje? ¿Un puente que nos conecta, o una frontera que nos separa?

Ése es el dilema que parece alentar la nueva obra de Pascal Rambert, titulada HERMANAS, y estrenada la semana pasada en el Pavón Kamikaze de Madrid.

Cartel de "Hermanas (Bárbara e Irene)"

La frase ‘como se suele decir’, que apostilla varias veces el diálogo de los dos únicos personajes de la obra; las alusiones a la necesidad de ampliar el lenguaje para ampliar los conocimientos: las sentencias como ‘si destruyo tu lenguaje, destruyo tu mundo’ nos sugieren que las hermanas del título son en realidad una metáfora de la naturaleza dual de la sociedad occidental, partida en dos mitades enfrentadas, condenadas a convivir pero incapaces de entenderse… porque hablan lenguas distintas.

Bárbara, trabajadora social, voluntaria que ayuda a refugiados y víctimas de la guerra. Irene, periodista mediática que escribe sobre asuntos banales. Ambas acaban de perder a su madre. Irene se presenta en el trabajo de Bárbara poco antes de que ésta pronuncie una conferencia sobre alguna emergencia social, para reprocharle que no la haya avisado de la inminente muerte de su madre tras una larga enfermedad.

El enfrentamiento es un torrente verbal velocísimo, incontenible, que desarma al espectador con su intensidad… pero que no lleva a las hermanas a ningún entendimiento. Un millón de palabras no valen nada cuando no hay un lenguaje compartido. Al igual que ocurre en las redes sociales, el debate no sirve a las hermanas para llegar a una mejor comprensión del punto de vista de su interlocutora, sino para agudizar el conflicto y agrandar la separación.

Irene Escolar y Bárbara Lennie en un momento de "Hermanas"

© Manuel Naranjo

Tanto la Teoría de la Relatividad como la mecánica cuántica se consideran ciertas. El problema es que son contradictorias. Algo parecido ocurre con los puntos de vista de Bárbara e Irene. La primera tiene una conciencia global. Ha visto y comprendido los problemas de los refugiados, y es capaz de exponerlos con una claridad arrebatadora, dolorosa e innegable. “¡Despertad, moved el culo!”, grita con rabia en el momento álgido de la obra, tras una brutal diatriba en la que Bárbara Lennie, quizá la mejor actriz de su generación, dejó sin aliento al público que llenaba la sala.

Sin embargo, esa conciencia para lo global contrasta con su incapacidad de comunicar a su hermana algo tan sencillo como ‘mamá está muy mal, se va a morir, ven’. Irene, que vive de ironizar y airear trivialidades, que jamás ha publicado una palabra sobre la labor social de su hermana, que se mofa de la superioridad moral que late tras su activismo, es sin embargo quien más tiempo estuvo al lado de su madre enferma, soportando incluso que ésta la confundiese con Bárbara, claramente la hija preferida.

Rambert parece decirnos que mirar demasiado a lo alto nos hace olvidarnos de quien tenemos al lado. Y al revés, que para centrarnos totalmente en lo cercano necesitamos negar lo global. Ninguno de los dos puntos de vista es correcto ni incorrecto, porque ninguno es completo. Y el lenguaje necesario para expresar un punto de vista es incompatible con el otro.

La obra pone en escena de forma muy hábil ese muro invisible, distribuyendo el diálogo en largas y violentas diatribas, contrapunteadas con momentos de diálogos más breves, pero que siempre acaban en interrupciones e incluso en agresiones físicas. El único momento de cercanía llega, paradójicamente, cuando ambas callan y comparten unos auriculares para escuchar la misma canción. Sólo la música funciona como un lenguaje común y da una breve tregua en la interminable batalla dialéctica.

© Manuel Naranjo

Una brillante forma de expresar que estamos condenados a no entendernos si no hacemos el esfuerzo de aprender el lenguaje del otro, si no cedemos terreno para encontrar un lenguaje común.

En cuanto a la dirección, sorprende la decisión de retirar los paneles laterales de la caja escénica. Ello sin duda contribuye a acentuar la desnudez estética de la obra -mínima escenografía, hiriente luz blanca sin sombras ni matices- pero también provoca que las voces de las actrices pierdan algo de proyección, y quizá dificulta la entrada del espectador en la historia en los primeros minutos.

Hermanas carece de una trama como tal. No hay un clímax, no hay una conclusión, y eso personalmente me impidió disfrutarla. Sí lo hizo y mucho el resto del público: hubo aplausos largos e intensos que acabaron en ovación de pie. Merecida, sobre todo por la gran interpretación de Bárbara Lennie e Irene Escolar. Un trabajo de memorización titánico. Un trabajo de dicción y proyección de voz atlético. Y momentos de pura emoción verdaderamente impagables.

Un trabajo brillante que deja al espectador tocado, que invita a la reflexión y que pone de manifiesto una vez más el enorme talento de sus dos actrices protagonistas.

Sergio Barrejón.